Die 150 besten Rap-Musikvideos aller Zeiten

Von Rolling Stone

HIP-HOP WURDE im Sommer 1973 in der Bronx geboren. Um das 50-jährige Jubiläum der Musik zu feiern, wird „Rolling Stone“ das ganze Jahr über eine Reihe von Features, historischen Stücken, Leitartikeln und Listen veröffentlichen.

Von dem Moment an, als Run-DMC, ganz in schwarzes Leder und Fedoras gekleidet, im Clip „Rock Box“ aus dem Cadillac stieg, verwandelte das Musikvideo Hip-Hop-Künstler in Ikonen. Damals wie heute dienen Rap-Videos als Botschafter von Sound, Mode, Kunst und Emotionen und verwandeln lokale Subkulturen in wichtige Elemente des Planet Rock. Die Welt konnte nun Grandmaster Flashs New York, Dr. Dre's Compton, Juveniles New Orleans, Mike Jones' Houston und Chief Keefs Chicago besuchen. Kinder aus allen Teilen der Welt könnten das Kratzen oder den Humpty-Tanz lernen.

Die Rap-Clips der frühen Achtzigerjahre, wie die von Roxanne Shanté, waren Triumphe darin, mit praktisch Null-Budget einen großen Eindruck zu hinterlassen und wurden größtenteils in Ralph McDaniels‘ bahnbrechender New Yorker öffentlich-rechtlichen Fernsehshow „Video Music Box“ gezeigt. Bald würde die unbestreitbare Kraft von Künstlern wie Run-DMC, den Beastie Boys, LL Cool J und DJ Jazzy Jeff and the Fresh Prince die getrennten Mauern des MTV-Airplays niederreißen. Ein Pilot für eine Show namens Yo! MTV Raps lieferte 1988 für den Sender verrückte Einschaltquoten ab, und schon bald könnten Vorstadtwohnzimmer in ganz Amerika von der gerechten Wut von Public Enemy, Boogie Down Productions und Ice Cube überwältigt werden. Der Pay-to-Play-Jukebox-Kanal The Box würde die Videos zeigen, die sie nicht anfassen würden. Rap City von BET brachte die Botschaft in andere Teile unseres Kabelnetzes.

In den Neunzigern war Hip-Hop Amerikas Popmusik, und Filmemacher wie Hype Williams, Paul Hunter, Spike Jonze, Sanji und Diane Martel begannen, die visuelle Sprache des Genres zu optimieren und zu überdenken und sie prismatisch an ihre Visionen anzupassen. Regisseure wie die Hughes Brothers, Michel Gondry, Antoine Fuqua, F. Gary Gray und Brett Ratner machten früh Pausen mit Rap-Videos. Künstler wie Busta Rhymes, Missy Elliott, Lil Kim und Puff Daddy waren fast untrennbar mit ihren überlebensgroßen Videopersönlichkeiten verbunden.

Als das Videozeitalter der YouTube-Ära wich, taten Blockbusterstars wie Kanye West, Jay-Z und Drake ihr Bestes, um große (und teure) künstlerische Statements in einer Zeit, in der die Budgets exponentiell schrumpften, aufrechtzuerhalten. Der demokratische Charakter des Internets bedeutete jedoch, dass jeder, der Zugang zu einer Kamera hatte, einen Weg finden konnte, Millionen und Abermillionen von Augäpfeln zu fesseln, sei es der Schock von Odd Future, die hyperlokale Intimität von Chief Keef und Bobby Shmurda Arthouse-Wut von Kendrick Lamar und Childish Gambino oder die zutiefst charismatische Präsenz von Ice Spice und GloRilla.

Unsere Liste der 150 besten Hip-Hop-Videos wurde von den Herausgebern des Rolling Stone und einer Gruppe von Musikkritikern zusammengestellt. Es ist eine Hommage an die unglaubliche Geschichte des Hip-Hop, der auf kleinen Bildschirmen große Wirkung erzielt hat.

Dieser Mädelsabend-auf-Steroiden-Clip hatte alle Voraussetzungen für Rap-Videos aus der Big-Budget-Ära. Tropischer Standort: prüfen. Schnellboote, Jetskis und Schnorcheln: überprüfen. Cameos in Hülle und Fülle: überprüfen. Es sah so aus, als wäre das Set eine echte Party gewesen. Lil' Kim, Left Eye, Da Brat, Missy Elliott und Angie Martinez haben nicht nur den wohl beeindruckendsten rein weiblichen Posse-Cut aller Zeiten geschaffen, das Video ist auch ein Who-is-Who der schwarzen Frauen in der Unterhaltungsbranche der Neunziger. Mitglieder der R&B-Gruppen SWV, Der definitive Cameo-Auftritt ist jedoch eine barfüßige und ununterbrochen tanzende Mary J. Blige, die während des gesamten Clips die Gruppenaufführungsaufnahme zum Absturz brachte. Das Ergebnis ist das seltene Rap-Video, das einen Raum zeigt, in dem es keine männlichen Kumpels, Produzenten, Labelchefs oder auch nur eine Augenweide von Prominenten gibt. Der Fokus liegt ganz auf den Frauen und ihrer gegenseitigen Feier. „Es war so viel Einigkeit. Wir hatten einen Riesenspaß“, sagte Da Brat 2014 zu Ebony. „Das gibt es heutzutage nicht mehr.“ – NC

Travis Scotts selbst inszeniertes „Franchise“ scheint Einfluss auf 80 Jahre Filmgeschichte zu haben – Busby Berkeleys „Footlight Parade“, Alejandro Jodorowskys „Holy Mountain“, Hype Williams‘ „Belly“, Park Chan-Wooks „Oldboy“, Ari Asters „Midsommar“ und, nun ja, Dennis Dugans „Happy“. Gilmore. Die Produktion und Veröffentlichung des Videos war nicht weniger großartig: Es wurde auf Michael Jordans Anwesen in Illinois gedreht und vor Christopher Nolans „Tenet“ auf IMAX-Leinwänden uraufgeführt. In dem Clip trägt MIA ein Kleid aus 600 echten Blumen. „Die Sonne ging gerade unter, also mussten wir uns beeilen, um die magischen Aufnahmen zur ‚Goldenen Stunde‘ zu machen. Wir haben wie verrückt Blumen in den Anzug gesteckt, während sie ihn anhatte, und zwischen den Einstellungen mussten wir uns durch Hunderte von Schafen kämpfen, um das Stück anzupassen“, sagte Bühnenbildnerin Emily Davies gegenüber Vogue. „Während sie tanzte, fielen Blumen ab, und dann fingen die Schafe an, die Blumen direkt von ihr zu fressen, während sie auftrat.“ –CW

„Meine Ästhetik für Videos ist jetzt mehr alles auf einmal, nur noch mehr chaotisches, organisiertes Chaos“, sagte A$AP Rocky gegenüber Complex. „Ich denke, es ist eine schöne Möglichkeit, mein ADHS zu zeigen.“ Bei „Shittin' Me“ nahmen die psychedelischen Bilder des Harlem-Rappers eine Wendung ins Scharfe. Das Konzept ist wie eine LSD-gebratene Version von Weekend at Bernie's: Der Tod eines Rapper kann die Aktivitäten seiner Crew, seines Labels oder der Ruhmesmaschine nicht stoppen. Obwohl das Video in einer Zeit veröffentlicht wurde, in der es für Rapper einen ständigen Strom posthumer Veröffentlichungen und Kooperationen gibt, wies Rocky Vorwürfe zurück, dass das Video für die Branche von entscheidender Bedeutung sei. „Ich denke, es ist nur Kunst. Kunst ist subjektiv, nimm, was du willst“, sagte er zu Hypebeast. „Es soll Emotionen wecken, und das ist alles, was ich tun wollte.“ –CW

Gang Starr brauchten vier Jahre, um ihre fünfte LP, Moment of Truth, zu veröffentlichen, und Rapper Guru verbrachte diese Zeit damit, zunehmend unzufrieden mit dem Zustand des Hip-Hop zu werden. „You Know My Steez“ brüllt aus dem Tor – es ist der erste Titel und die erste Single der LP – mit einem harten Beat, der Baldhead Slick dazu anspornt, eine strenge Haltung gegenüber der Gewerkschaft zu liefern („The wackness is spreading like a pest“, er intoniert). Das Video von Terry Heller verbindet Gurus vernichtende Vision des Hip-Hop der späten Neunziger mit George Lucas‘ faschistischer Bunker-Dystopie THX-1138, komplett mit Zenturios im S&M-Chic und weiß gebleichten Folterlandschaften. Guru befreit sich natürlich – der Beat von DJ Premier auf dem Track könnte jede Mauer zum Einsturz bringen. —CP

Vielleicht brauchen Sie für ein großartiges Video nur ein Set, ein Auto unter einer Straßenlaterne, einen Vers, der sich drei Minuten lang mühelos hinzieht, von einem 17-Jährigen mit übergroßem Charisma und einem einzigartigen Flow. Das Premierenvideo von Kodak Black ist eine Fallstudie des Minimalismus: Der Autofokus der Kamera zuckt unter dem direkten Blick des Rappers zusammen. Regisseur BonesVision schaltet auf Nachtsicht um und verdoppelt manchmal das Bild gegenüber sich selbst, aber der Effekt ist fast dokumentarisch. Hinter Kodak liegt etwas Styropor oder so etwas auf dem Boden, wenn Sie ihn aus den Augen lassen können. —KM

Nur wenige kulturelle Artefakte fangen die Viralität der Flip-Phone-Ära so gut ein wie das Video zu Soulja Boys unendlich einprägsamem „Crank That (Soulja Boy)“, das die Abenteuer des Plattenmoguls Mr. ColliPark aus Atlanta verfolgt, der versucht, die Quelle eines Tanzes zu finden Ein Trend, der die Kinder sowohl in seinem Büro als auch in verschwommenen Clips, die er auf seinem Handy anschaut, in seinen Bann zieht. Soulja Boy ist natürlich zu Hause vor seiner Webcam und behält seine Sofortnachrichten und die Anzahl der Zugriffe auf souljaboytellem.com im Auge – und die Geschichte des Clips endet glücklich, indem Mr. ColliPark dem Jungen einen Plattenvertrag und eine Feier schenkt Amulett und Soulja Boy, der ein Fitnessstudio voller Anhänger in dem Tanz anführt, den er sich ausgedacht hat. —MJ

„Es gibt nicht wirklich viele Leute, die Frauen aus der Community und Ratchet-Frauen repräsentieren“, sagte Memphis-Crunk-Star GloRilla gegenüber BET.com. „Wir waren einfach in dem Video zu sehen, hatten Spaß und taten das, was wir normalerweise tun, und die Leute mochten die Authentizität – die Echtheit.“ „FNF (Let's Go)“ war ein TikTok-Hit mit der Energie eines TikTok-Videos, in dem GloRilla und ihre rein weibliche Truppe tanzten, Donuts auf einem Parkplatz machten und an einer roten Ampel tanzten. Der einfache Clip brachte sie innerhalb weniger Monate von der Video-Sharing-App auf die Grammy-Bühne. Um die Energie ihrer Zusammenarbeit aufrechtzuerhalten, drängte Hitkidd GloRilla, das Video am selben Tag wie die Aufnahmesitzung zu drehen. „Ich kam um 12:00 Uhr im Studio an und wir waren um 1:00 Uhr fertig“, sagte GloRilla gegenüber Billboard. „Er sagte: ‚Wir werden das Video heute um 16:00 Uhr drehen.‘ Hol dir alle deine Freunde.‘“ –CW

„Lebenslust“ ist kein Begriff, der oft für den krebserregenden Staatsfeind verwendet wird, aber es gibt keine andere Möglichkeit, diese Satire auf die Art und Weise zu beschreiben, wie die amerikanische medizinische Versorgung die schwarze Gemeinschaft unterschätzt. Flavour Flav liegt in einem Sarg und genießt das Leben nach dem Tod. Seine Mutter bricht aufgrund eines Herzinfarkts zusammen, woraufhin ihr ein Rettungssanitäter Sandwichstückchen ins Gesicht träufelt. und ein zufälliger Typ fällt auf eine verschneite Straße und zuckt zusammen, nachdem er sich einen Genickbruch zugezogen hat, während sein Homeboy nach einem Krankenwagen ruft, der nie eintrifft. Irgendwie ist das Ganze urkomisch, dank Rupert Wainwrights Sitcom-Visuals – die ihm 1991 eine Nominierung für die Soul Train Music Awards einbrachten – sowie Flavs extravagantem, unbeschreiblichem „Flavor Dance“. Halten Sie Ausschau nach Gastauftritten von Samuel L. Jackson, Jam Master Jay von Run-DMC, DJ Hurricane von den Beastie Boys und der stark unterschätzten Def-Jam-Parodiegruppe The Afros. -HERR

In einem Clip, der wie eine fortlaufende Aufnahme aussieht – es handelte sich tatsächlich um 13 geschickt zusammengeschnittene Aufnahmen – rappt Xzibit mit unerschütterlicher Leichtigkeit, während in seiner Nachbarschaft das Chaos um ihn herum tobt: Ein ausweichendes Polizeiauto jagt einen Verdächtigen, ein Pickup explodiert, jemand mit Haftnotizen Finger krachen durch das Schaufenster eines Pfandhauses. „Niemand wollte dieses Video drehen“, sagte Xzibit dem Breakfast Club. „Weil ich auf das Konzept gekommen bin. Und alle sagten: ‚Oh, das geht nicht, das ist zu teuer.‘“ Dennoch schätzte Xzibit, dass sie es für weniger als 100.000 US-Dollar geschafft hätten. Neben explosiven Actionsequenzen enthält der Clip auch einen Cameo-Auftritt des menschlichen Pyrotechnikers Flavor Flav. Xzibit sagte: „Flavor Flav stand nicht einmal auf dem Zeitplan; Er fuhr gerade vorbei, sah uns, sprang aus und stieg in das Video ein.“ –CW

Wie ihre Video Vanguard-Inspirationen Beyoncé Knowles, Missy Elliott und Nicki Minaj widmet sich Doja Cat abenteuerlichen Modewahlen, chamäleonischen Looks und fesselnden Bildern. Ihr vielleicht kühnstes Video ist der Cyberpunk-meets-Hyperpop-Clip „Need to Know“, eine brutalistische Retro-Future-Nachtlebenparty, die von Doja und ihrem Kreativteam konzipiert wurde. Auf Planet Her – inspiriert von „Los Angeles von Blade Runner“ und „New York“ von „The Fifth Element“ – geht die blauhäutige Außerirdische Doja mit ihrer Truppe (zu der auch Grimes und die Schauspielerin Ryan Destiny gehören) für eine Nacht in die Stadt. Obwohl Doja und die Regisseure Miles Cable und AJ Favicchio im digitalen Zeitalter gedreht wurden, entschieden sie sich für große Sets mit einer Tonbühne und aufwändigem Make-up. „Sie hatten etwa ein 20-köpfiges Prothesenteam“, sagte Favicchio gegenüber Nylon. „Es war ein riesiges Unterfangen, das zu schaffen. Ich denke, ihre Anrufzeit lag offensichtlich Stunden um Stunden vor unserer.“ –CW

„Outkast wollte, dass ich ‚Bombs Over Baghdad‘ filme, aber ‚Ms. „Jackson“ ist mir wirklich aufgefallen“, sagte Regisseur F. Gary Gray gegenüber GQ. „Man weiß nie, ob es funktionieren wird – Tiere, die ihre Köpfe zur Musik bewegen, und die Jungs, die ein altes, heruntergekommenes Haus reparieren? Aber die Leute haben es wirklich verstanden.“ Gray kombinierte einen der ernsthaftesten Songs von Outkast mit einem farbgesättigten, bittersüßen Video, in dem das Duo dazu neigt, Schäden an einem kaputten Haus zu überstehen. Bald: „Ms. Jackson“ sollte die erste Nummer-Eins-Single der Gruppe werden. Ich erinnerte mich an den André 3000 der Gruppe bei BlackFilm.com.„ Ich drehte die Nahaufnahmen, und er schaute auf den Wiedergabemonitor und sagte: ‚Ich glaube, wenn du jemals in diese Richtung gehst, wirst du eine großartige Filmkarriere machen.‘“, fuhr André fort Seine erste Hauptrolle spielte er in „Gray’s Be Cool“ und startete damit eine Karriere, in der der Rapper mit Action-Regisseuren wie John Singleton und Guy Richie sowie Arthouse-Helden wie Claire Denis, Noah Baumbach und Kelly Reichardt zusammenarbeitete. –CW

Unter der Regie von Peter McCarthy, der 1994 das Slacker-Juwel „Flundering“ inszenierte und Indie-Filme wie „Repo Man“ mitproduzierte, veranschaulicht das Video zu „Love's Gonna Get'Cha“ auf triumphale Weise die tragische Fabel von BDP. KRS-One spielt sowohl den Erzähler des Liedes – seine JA-farbene Mütze symbolisiert Selbsterkenntnis – als auch den Protagonisten, einen schwarzen Teenager, der im Crack-Deal einen Ausweg für seine verarmte Familie sieht. Mehrere Mitglieder der BDP-Crew machen Cameo-Auftritte, darunter sein Bruder Kenny Parker, die verstorbene Frau Melodie, Heather B und Harmony. Sie alle werden in Schatten geworfen, die von einem einzigen Scheinwerfer beleuchtet werden, wie Figuren, die ein Bühnenstück betreten. Die Art und Weise, wie McCarthy Dollarscheine und Uzi-Maschinengewehre zeigt, die wie Träume und Albträume in der Luft kreisen, verleiht „Love's Gonna Get'cha“ eine poetische Qualität und unterstreicht den klassischen Story-Rap von BDP. -HERR

Dieses kinetische Video des Experimentalfilmers Zbigniew Rybczyński verwandelt Grandmaster Flash und seine neu gestartete Mitte der Achtzigerjahre-Crew (zu der Furious Five-Absolvent Kid Creole und Rahiem gehören) in ein menschliches Spiel der Perfektion, bei dem die Gruppe immer wieder in die Luft katapultiert wird, passend zum Takt mit rhythmischer Bearbeitung. Als Ergänzung zu einem weiteren Message-Rap der Gruppe nach „Message“ über zeitgenössisches Chaos und Unordnung rappt die Band, während Rybczyńskis maßgeschneiderte Maschine sie neben Ghettoblaster, Lautsprechern und Müll abfeuert. Zwei Jahre später erhielt der Regisseur den MTV Video Vanguard Award. –CW

„Alles, was Sie in diesem Video sehen, war absolut authentisch. Es gab keine Behandlung, kein Budget, keine Planung“, sagte Regisseur Cole Bennett gegenüber Genius. „Wir ließen uns einfach treiben und sahen, wie die Dinge liefen.“ Eine Mischung aus Spontanem und Chaotischem: „Catch Me Outside“ fängt die spontane Wildheit der SoundCloud-Rap-Ära ein, mit dem Rapper Ski Mask the Slump God aus Florida, der eine Ein-Mann-Party mitten auf den Times Square bringt. Gefilmt während Bennetts erster Reise nach New York City, interagiert Ski Mask mit Touristen und tanzt mit einem Straßenkünstler der Freiheitsstatue (Bennett sagt, Ski habe 20 Dollar in sein Trinkgeldglas gesteckt). „Bei jeder Aufnahme in diesem Video wusste man nicht, was einen erwarten würde. Jemand könnte dich verrückt ansehen, oder jemand könnte in das Video springen und anfangen, mit Ski zu tanzen“, sagte Bennett. „Es hat also bei jeder Aufnahme, die wir machten, Spaß gemacht, weil wir nicht wirklich wussten, was passieren würde.“ –CW

Mit „Get at Me Dog“ begann DMX das Jahr 1998, ein Jahr, in dem er seinen lange schwelenden Hype mit der Veröffentlichung von zwei Nummer-Eins-Alben und der Hauptrolle in Hype Williams‘ halluzinatorischem „Belly“ wieder aufleben ließ. Das Video zum Titel von J. Jesses Smith gibt sein Bestes, um ein unbändiges Talent einzufangen. DMX rappte so körperlich, wie er auf der Platte klingt, stürzte sich mit jeder Zeile hin und her auf das Publikum zu und verfiel nur lange genug in den Schlurf eines Boxers, um zu Atem zu kommen. Seine Nebenhand unterstreicht jede Silbe und reißt die Menge im legendären New Yorker Nachtlokal Tunnel mit jeder gepumpten Faust mit. „Ich wusste, dass ‚Get at Me Dog‘ ein Hit im Tunnel war, und ich wusste, was das bedeutete“, erinnerte sich DMX 2012. „Sie sagten mir: ‚Wenn dieser Scheiß im Tunnel passiert, werden die Wichser verrückt.‘ Aber das war ich noch nie – bis ich dort auftrat und das Video drehte.“ —CP

„Triumph“ war eine Siegesserie: Vier Jahre nach der Veröffentlichung ihres Debüts hatte das Nonett aus Staten Island zusammengehalten, eine Reihe sofort klassischer Soloplatten veröffentlicht und die Egos für eine Doppel-LP im Zaum gehalten. Wie sonst könnte man den Triumph verkünden als mit „Triumph“? Sechs Minuten, keine Hooks, nur eine Strophe nach der anderen. Der beschissene (und inzwischen in Ungnade gefallene) Regisseur Brett Ratner inszeniert diesen Moment mit einem Video mit fast psychedelisch schlechten Greenscreen-Effekten und endlosen Highlights: GZA wird zum Sternenkind, Masta Killa gibt Blinden das Augenlicht, RZA taucht in einer Biene auf Kostüm. „Triumph“ versinnbildlicht den unwiederholbaren Höhepunkt des Wu. —CP

Der Clip zu „Munch (Feelin‘ U)“ des Neulings aus der Bronx, Ice Spice, unter der Regie von George Buford im Heimatbezirk des Hip-Hop, ist ein perfektes Beispiel dafür, wie man sich im Jahr 2023 den großen Ring des Rap-Erfolgs schnappt. Der Song ist 1 Die Länge von :44 macht es perfekt für wiederholtes Streaming. Und Ice garantierte praktisch die Viralität des Videos, indem es es über Worldstar veröffentlichte, die beliebte Plattform, die gelegentlich für weniger schmackhafte, eher kämpferische Inhalte bekannt ist. Ice Spice kommandiert die Kamera, indem sie vor der Paya Deli-Bodega frech ihren Bandeau-Busen zurechtrückt und in hochgeschnittenen Jeansshorts ihren Hintern schüttelt. Einfach, suggestiv, effektiv. – MML

„Wir wollten Slam Dance in den Rap bringen“, sagt Fredro Starr von Onyx in Brian Colemans „Check the Technique“. „Ob Sie es glauben oder nicht, Nirvana hatte einen großen Einfluss auf uns. Red Hot Chili Peppers auch.“ Hey ho, los geht's: „Slam“ ist ein einziges großes Moshpit aus dreckigem Queens-Hip-Hop und Hardcore-Punk, mit einem Raum voller Crowd-Surfing, Body-Slamming und Slap-freudiger Hooligans. Der Regisseur: Parris Mayhew von der New Yorker Hardcore-Band Cro-Mags. „Slam“ machte diese glatzköpfigen Rapper auf MTV groß und brachte ihr klassisches Debüt, Bacdafucup, zum Durchbruch. Das gesamte Projekt wurde von einigen schwerwiegenden psychedelischen Chemikalien beeinflusst. „Während wir das Album aufnahmen, war n***as die ganze Zeit auf LSD, direkt“, sagte Fredro. „Wir haben während des gesamten Albums Papiere fallen lassen und Meth-Tabletten genommen. Das ist einfach die kreative Seite des Musikmachens. Wir waren wie Jimi Hendrix.“ —RS

In einem kleinen Juwel des Fake-Reality-TV geht LL Cool J mit seinem ehrlichen Camcorder durch die Straßen von New York, um „normale Mädchen“ zu filmen – „Ich will Ivana nicht“, sagt er zu Beginn des Clips, „Ich will Tawana.“ Eines dieser Mädchen war Leslie „Big Lez“ Segar, die später eine berühmte Choreografin und Moderatorin von Rap City werden sollte. „Sie erwarten nicht, dass LL jemand ist, der tanzen würde. Das heißt zwar nicht, dass er keinen Rhythmus hat, aber für die Schule ist er zu cool! Das ist „Gib mir mein Radio!“ Ich bin thugalicious, auf dem Block, Hollis, Queens! Ich tanze nicht. „Vielleicht hüpfe ich in meinen Timberlands hin und her“, sagte Segar zu Rock the Bells. „Manchmal muss man Künstlern die Zähne ausbeißen, um sie zum Tanzen zu bringen. Aber er war offen und bereit und sehr beteiligt, was auch immer die Choreografie anging.“ –CW

Dieses vom französischen Modefotografen Jean-Baptiste Mondino gedrehte Musikvideo von Neneh Cherry ist ein geradliniger Kampf der Geschlechterszene und könnte normalerweise überhaupt nicht als Hip-Hop-Video gelten, wenn nicht die von MC vorangetriebene Entwicklung des Genres vorangetrieben würde. Sänger wie Drake, Juice WRLD, Travis Scott usw. Als früher Hybrid der rappenden Chanteuse führt Cherry eine Truppe weiblicher Feministinnen an, die in einen Besenstiel sprechen und einen betrügerischen Mann (angeblich Rocker Lenny Kravitz) zur Rede stellen seine Untreue vor einer Gruppe frauenfeindlicher Männer. Aber ihre Schlusssalve bringt es ins Wanken: Sie zieht ihr Höschen aus und wirft es den Jungs zu, als Geste, das Mikrofon fallen zu lassen, was den Streit, das Lied und das Video effektiv beendet. – MML

Eine schlichte Backsteinkulisse, alberne Tanzbewegungen und Banks – gekleidet in einen Mickey-Mouse-Pullover und geflochtene Zöpfe –, der mit einem strahlenden Grinsen Obszönitäten von sich gibt. Es war ein einfaches Bild, das einen viralen Moment hervorrief, der gleichermaßen liebenswert und einschüchternd wirkte. Obwohl der Schwarz-Weiß-Clip in Montreal gedreht wurde, verliehen kurze Ausschnitte einer Bodega und Yung Rapunzels charmante, geradlinige Texte diesem von Vincent Tsang inszenierten Video unbestreitbare NYC-Energie. Die kanadische Musikerin Lunice, die in „212“ an der Seite des Elektronikproduzenten Jacques Greene auftritt, sagte gegenüber Billboard: „Der Dreh war ein perfekter Moment spontaner Kreativität. Die Art, die man nicht einstudieren oder neu formulieren kann.“ –JJ

„Was sie durchmacht, um diese Bilder zu schaffen, werden die Leute nie erfahren“, sagte Maskenbildner Billy B. bei der Produktion von Missy Elliotts 2-Millionen-Dollar-Blockbuster „She's a Bitch“. „Die Prothesen und die Airbrush, das Make-up und dann zwei Stunden lang das Aufkleben von Strasssteinen. Sie ist eine Truppe.“ Für Elliotts erstes Video nach der Rückkehr vom Erfolg von Supa Dupa Fly aus dem Jahr 1997 vollzog Hype Williams, der Regisseur der farbenfrohsten Videos der 90er Jahre, eine scharfe Wendung in eine Tron-Noir-Welt aus Schwarz-, Grau- und Silbertönen – weniger Farbtöne, aber nicht weniger umwerfend. Hier taucht Missy mit einem verzauberten Blick aus dem Wasser auf, der teils Bondage, teils Punk, teils Matrix und ganz und gar visionär ist. „Damals dachten alle, ich wäre ein bisschen daneben, weil ich eine Glatze hatte“, schrieb Missy Elliott auf Twitter, „aber ich, Hype und [Timbaland] waren nur Jahrzehnte voraus.“ –CW

„The Heart Part 1“ aus dem Jahr 2010 besteht ausschließlich aus körnigem digitalem Filmmaterial, Convenience-Stores und Van-Fahrten. In „The Heart Part 5“ verwandelt sich Kendrick Lamar mithilfe modernster Technologie in alte (O. J. Simpson) und neue (Jussie Smollett) Figuren Nation von Millionen. Lamar und sein langjähriger Mitarbeiter Dave Free haben die Deep-Fakes-Reihe des Clips mit Hilfe von Deep Voodoo erstellt, einem Studio, das von den South Park-Machern Trey Parker und Matt Stone gegründet wurde. Wie andere „Heart“-Tracks übertreibt auch „Part 5“ ein Album, steht aber außerhalb davon; Wo Mr. Morale & The Big Steppers knorrig und widersprüchlich ist, ist „Heart“ zuversichtlich und entschlossen. Dieser Ton setzt sich sogar in den herzzerreißenden Schlussmomenten des Videos fort, in denen Lamar die Gestalt seines verstorbenen Freundes Nipsey Hussle annimmt. „Ich betrachte alles als ein soziales Experiment“, sagte Free der New York Times. —CP

Hier ist ein surrealistischer Blick hinter die Kulissen der Plattenindustrie während des anfänglichen kommerziellen Booms des Hip-Hop. Der bissige, aber ergreifende Aufruf zwielichtiger Plattenmanager (verkörpert durch den perfekt besetzten Gilbert Gottfried), rassistischer Stereotypen in den Medien und der Kommerzialisierung der Rap-Kultur gehörte zu den ersten seiner Art. MC Serch und Premierminister Pete Nice waren unwahrscheinliche Hüter der Hip-Hop-Reinheit, aber Cameos von angesehenen Namen im Rap, darunter Flavor Flav von Public Enemy, EPMD, DMC von Run-DMC und Jam Master Jay sowie Def Jam-Chef Russell Simmons, sorgten für die nötige Glaubwürdigkeit. Aus der Perspektive der Rap-Geschichte ist das Video heute vor allem wegen zweier Dinge in Erinnerung geblieben: einer Szene, in der MC Hammer als Bildnis niedergetrampelt wird, und der Einführung in die Welt von Zev Love X, damals der Rap-Gruppe KMD, die Jahre später daraus hervorging besser bekannt als die schwer fassbare Underground-Legende MF Doom. – NC

Q-Tip, wahrscheinlich der ursprüngliche Bohemien-B-Boy, setzte mit einem Quartett von A Tribe Called Quest-Alben von 1990 bis 1998 Maßstäbe für Anti-Bling-Hip-Hop. So sehr, dass seine ersten glitzernden Singles als Solo-Act …“ „Vivrant Thing“ und „Breathe and Stop“ – fühlten sich an wie ein beunruhigender Werbespot mit von Hype Williams inszenierten Clips voller sexy Models und Beaucoup-Gluteus-Maximus, die unter einer Fischaugenlinse wackelten. Im Rückblick auf Jahrzehnte könnte es sein klügster Schachzug gewesen sein, dass Q-Tip durch das Sprechen der Lingua Franca ein Zeichen für seine Relevanz in der hektischen Ära gesetzt hat. Das Kopftuch, das seinen Afro festhält, scheint viel mehr Hendrix als 2Pac zu sein, während er in einem langen Lederponcho herumschlendert und seinen Ruf als Hip-Hop-Sexsymbol genießt. Augenweide Leila Arcieri (Miss San Francisco 1997) hat mit ihrem Auftritt auch hier praktisch das King-Magazin und die Video-Vixen-Ära eingeläutet. – MML

„Ready or Not“ wurde an drei 16-Stunden-Tagen auf dem Höhepunkt der mehrfach mit Platin ausgezeichneten Popularität der Gruppe gedreht und gilt weithin als das erste Rap-Video, das über eine Million Dollar kostete, und seine Produktion war ein Vorbote der atemberaubenden visuellen Exzesse der Y2K-Hip-Szene -hop. In dem Clip sind Pras Michel, Lauryn Hill und Wyclef Jean Rebellen auf der „Suche nach Gerechtigkeit“ und weichen auf Skibooten und Motorrädern Militärhubschraubern aus. Sie verstecken sich auch vor den Illuminaten, während sie in einem U-Boot rappen, mit freundlicher Genehmigung des Hintergrundstücks der Universal Studios. Der erfahrene Musikvideoregisseur Marcus Nispel, der schließlich Regie bei Genrefilmen wie dem Remake von The Texas Chainsaw Massacre aus dem Jahr 2003 führte, filmt das Trio in schattigem Licht, das an einen Abenteuerfilm erinnert. Als er mit der Kritik von Fans konfrontiert wurde, die über die hochbudgetierte Theateraufführung von „Ready or Not“ verärgert waren, antwortete Michel: „Ich glaube nicht an Gesetze oder Regeln.“ – MR

Das von Jora Frantzis inszenierte Visual würdigt Cardis Stripper-Vergangenheit und gewährt anhand von Clips, in denen die Rapperin stillt, Einblicke in ihre mütterliche Gegenwart. Pepper in Nippelblitzen, Geldpistolen und sexy Bankangestellten, und Sie haben eine ikonische Sicht auf die Kraft weiblicher Sexualität in allen Formen. Das Video wird durch auffällige Modeentscheidungen untermauert, wie zum Beispiel Cardi, die in einem von Kleopatra inspirierten Outfit auftritt, das ausschließlich aus Uhren besteht – ein Look, den Rihanna bekanntermaßen als „den größten Ghetto-Scheiß“ bezeichnete. Auch wenn sie heutzutage in Designer-Looks gehüllt ist, hat die aus der Bronx stammende MC nie ihre Wurzeln vergessen, und „Money“ scheut sich nicht, hervorzuheben, was ihr – und allen Frauen – das Recht gibt, sich zu entfalten. –JJ

Stellen wir uns für einen Moment vor, dass „Friends“ nicht von Anfang an ein beschönigter Remix der afroamerikanischen Sitcom „Living Single“ war. Für die ersten fünf Minuten dieses Clips unter der Regie von Master of None-Mitschöpfer Alan Yang dreht eine äußerst hochkarätige Besetzung (Issa Rae, Tiffany Haddish, Tessa Thompson, Lakeith Stanfield, Lil Rel Howery, Jerrod Carmichael) die dritte Staffel Friends-Folge „The One Where No One's Ready“ Schlag für Schlag am Originalset der Serie. (Eine Eröffnungsmontage zu Whodinis „Friends“ sieht fabelhaft aus.) Ein desillusionierter Carmichael verlässt schließlich das Set, während im Hintergrund Jay-Zs lyrische Kritik an der Oberflächlichkeit und Kreativität des Hip-Hop beginnt. Die Sache endet ergreifend damit, dass Carmichael über einen Vollmond nachdenkt, während das Video auf die titelgebende Inspiration des Oscar-prämierten Indie-Dramas „Moonlight“ verweist. Wie viele Teile des Quellalbums des Songs, 4:44, gibt „Moonlight“ viel Anlass zum Nachdenken. – MML

El-Ps Solo-Debüt „Fantastic Damage“ ist eine zutiefst filmische Angelegenheit, deren Boom-Bap durch zwielichtige Cyberpunk-Unruhe in die Tiefe getrieben wird und dessen Erzähler ein knurrender Klugscheißer ist, der immer wieder mit dem Gesicht voran in Schwierigkeiten gerät. Brian Beletics Video zu „Deep Space 9mm“ folgt El-P durch ein körniges New York nach dem 11. September, in dem an jeder Ecke Gewalt lauert, und zwar im wahrsten Sinne des Wortes: Taxifahrer, Bargäste, Nonnen und sogar Pfadfinder richten schimmernde rote Revolver auf den Moderator . El-P schrieb die Aufzeichnung vor dem 11. September, aber nichts davon war als Vorsehung gedacht: „Es soll etwas ansprechen, von dem ich denke, dass es ständig unter allem lauert“, sagte er gegenüber NPR.–CP

„[Einer meiner] Lieblingsnerven im Leben ist es, auf die Toilette zu gehen und ein Fan folgt mir dort hinein und versucht, ein Gespräch mit mir zu führen“, sagte Ludacris zu Esquire. „Kunst imitiert das wirkliche Leben.“ Ausgestattet mit riesigen Popeye-ähnlichen Armen erwürgt und schlägt Ludacris in dem von Spike Jonze inszenierten Video zu „Get Back“ einen aufstrebenden Unternehmer mit schlechter Urinal-Etikette – der unglückliche Prügelempfänger wird von niemand anderem als Fatlip aus dem Pharcyde gespielt. Ludacris war in den Jahren zwischen Biz Markie und 2 Chainz der König der Rap-Comedy und zeigte sich in „Get Back“ von seiner besten Seite, als er Hulk-Smashes gegen Wände und Briefkästen hinlegte. „Und diese großen Arme waren in jeder Hinsicht lächerlich, mehr als verrückt, lächerlich, wild“, sagte er. Leider konnte Ludacris die Stützarme nicht behalten, aber es ist bekannt, dass er in seinen Live-Shows den prallen Bizeps-Look zur Geltung bringt. – CW

Die opulente, protzige Ausbeutung des Cash-Money-Imperiums prägte eine Ära und ihr teurer Geschmack in „Bling Bling“ brachte das Oxford English Dictionary auf den neuesten Stand. Das Video strahlte auf Schritt und Tritt höchste Extravaganz aus: ein gestreckter Range Rover, Uhren an beiden Zeigern, Diamantgrills, Boote, Autos, Hubschrauber, Stahlaktentaschen, Kandelaber und ein mit Bargeld gefüllter Eiskübel. „Leute aus New York, Leute aus LA haben mich immer gefragt: ‚Diese Jungs haben wirklich so viel Geld bekommen?‘ Gehören diese Häuser ihnen? Gehören diese Autos ihnen? Gehört das alles ihnen?' Universal A&R Dino Delvaille erzählte The Fader. „Und ich war ehrlich zu ihnen. Ich würde sagen: ‚Ja, das gehört wirklich ihnen.‘“ – CW

„Wir gingen raus und drehten vier Tage lang“, sagte „Ruff Ryders‘ Anthem“-Regisseur J. Jesses Smith zu This Is 50, „und DMX wurde zu diesem Zeitpunkt tatsächlich visuell geboren.“ Der DMX-Hit „Get At Me Dog“ hatte stilisierte Visionen des schroffen MC gezeigt, der ein Publikum rockte, aber „Ruff Ryders' Anthem“ festigte DMX in der nationalen Vorstellung: ohne Hemd, mit Kopftuch, rappend auf der Straße mit den unglaublich Großen Ruff Ryders Truppe. Unzählige Dirtbikes, die Wheelies knallen, und Vierräder, die Treppen hochspringen, verliehen dem Clip ein spürbares Gefühl der Gefahr und verliehen einem Hardcore-Rapper eine andere Art von Outlaw-Coolness – als DMX im Jahr 2021 verabschiedet wurde, strömten Ehrungen ein, die bezeugten, wie er eine Generation des Sports beeinflusst hat Fahrradbegeisterte. Im Originalvideo sollten weiße Harley-Davidson-Fahrer zu sehen sein, doch stattdessen drehte das Team die Nachwirkungen der „Wink Parade“, bei der Hunderte von Bikern ihr Können zeigen. „Es war ein Fest“, sagte Queens-Fahrer Craz-1 gegenüber GQ. „Die Polizei konnte nichts dagegen tun. Wir waren zu viele.“ – CW

Inspiriert von der moralischen Panik, die von ihrem Hit „WAP“ aus dem Jahr 2020 ausging, eroberten Houstons führende „Hot Girl Coach“ und ihre Meute aus „superregressiven Huren“ die Titelphrase dieses Liedes zurück, indem sie auf Müllwagen knirschten und auf Theken klatschten und so eine deklarative Botschaft überbrachten an Coochie-Pop-Kritiker, die sich nicht um ihre eigenen Angelegenheiten kümmern wollen. Der vom Horrorfilm beeinflusste Clip gipfelt darin, dass Megan Thee Surgeon und ihre unartigen Krankenschwestern den Mund eines konservativen Senators kosmetisch durch eine Vulva ersetzen; Der kühne Schachzug wurde von Regisseur Aube Perrie in der elften Stunde hinzugefügt, um „den absoluten Gegenstand aller Ängste [der Kritiker]“ zu symbolisieren. –JJ

„Es war alles sehr surreal. Ich wusste nicht einmal, was los war“, sagte Earl Sweatshirt von Odd Future gegenüber The Ringer. „Ich erinnere mich, dass wir beim XXL-Cover-Shooting dabei waren und dann im wahrsten Sinne des Wortes irgendwann nur gesagt hat: ‚Yo, das wollen wir nicht machen.‘ Wir sind gerade dabei, dieses Video zu drehen.“ Bereits 2012 beherrschte das Odd Future-Kollektiv die disruptive Kunst aufmerksamkeitsstarker Videos. Ein XXL-Cover-Shooting in einem Chelsea-Studio endete schnell im Chaos – wie es 2012 rund um Odd Future üblich war. Jemand legte seinen 10-minütigen Posse-Cut „Oldie“ auf den Lautsprecher und plötzlich war der Nachmittag nicht mehr in seinen Händen das Magazin oder der Fotograf Terry Richardson. Der erfahrene Chaos-Fänger Lance Bangs von Jackass erwischte die Gruppe, als sie spontan spontan ein Musikvideo drehten, in dem alle tanzten, überfielen, Moshing machten und sich gegenseitig als Hypemen fungierten.–CW

Wenn Sie Migos‘ „T-Shirt“ hören und den Aufstieg des Trios vom „Dreckmachen“ in einem weißen T-Shirt zu ausverkauften Konzerten hören, ist das letzte Bild, das Sie heraufbeschwören würden, die Gruppe, die in den Bergen und Hütten von Lake Tahoe Stunts macht , umgeben von unglaublich drallen Videomodellen. Der Schauer ist es, der den Clip von Quavo und Oladapo „DAPS“ Fagbenie so unvergesslich macht. „Ich wollte ein Bild dazu machen. Ich wollte so etwas wie einen Film dazu machen“, sagte Quavo 2017 gegenüber Billboard. Das Trio kleidet sich wie Inuit-Jäger, eine Metapher für ihre früheren Karrieren als Straßenapotheker. „Es ist im Grunde ein alternatives Fallenuniversum“, schrieb DAPS auf Twitter. „Wir haben versucht, ein echtes Iglu zu bauen, aber der Schnee war nicht dicht genug.“ –MR

Diese teure, hochglänzende und modische Siegesrunde für den Rekordmogul Puff Daddy war im Grunde der Startschuss für die Jiggy-Ära. Es war Puffs Debütsingle als Künstler, und er wollte nicht zurückhaltend sein, als er einen Rolls Royce durch die Wüste fuhr, sich von gesichtslosen Frauen anfassen ließ und in einem Raum tanzte, der wie ein beleuchtetes Gravitron aussieht. Mit der neuen Rekrutin Ma$e im Schlepptau,„„Kann mich niemand festhalten“ war der erste der fünf von Puff produzierten Songs, die 25 Wochen lang im Jahr 1997 an der Spitze der Charts standen. „Wir stiegen in das erste Video ein und [Puffy] fing an zu tanzen und alle standen einfach da und dachten: „Was machen wir?“ ” Ma$e erzählte MTV News. „Ich dachte mir: Mann, ich kann nicht zulassen, dass dieser Kerl mich rausführt. Ich weiß wie man Tanzt. So fing alles an. Dann fingen wir an, in den Videos zu tanzen, und bevor ich mich versah, fielen wir vom Himmel und flogen.“ – CW

Ein dramatischer Song, zu dem es ein ebenso dramatisches Video gibt. Coolio erklärt es persönlich mit Dangerous Minds-Star Michelle Pfeiffer. „Michelle war irgendwie nervös, weil ich glaube, dass sie bis zu diesem Zeitpunkt noch nie in ihrem Leben mit so vielen Schwarzen zusammen gewesen war“, sagte Coolio lachend zu Rolling Stone. „Und, wissen Sie, meine Jungs waren ‚Hood‘!“ Unter der Leitung des zukünftigen Regisseurs von Training Day, Antoine Fuqua, ist der Clip zu „Gangsta's Paradise“ voller Schatten und Rauch, eine lebendige, warnende Geschichte, die sich auf das Geschichtenerzählen selbst konzentriert. Der stimmungsvolle Clip mit hoher Rotation trug dazu bei, dass „Gangsta's Paradise“ 1995 die Billboard-Jahresend-Charts anführte – der erste Rap-Song, der diesen Anspruch errang. „Ich war mit Antoine Fuquas Konzept zunächst nicht ganz zufrieden, weil ich ein paar Low-Rider und etwas Scheiße darin haben wollte; Ich habe versucht, es unter die Haube zu bringen“, sagte Coolio. „Aber er hatte, Gott sei Dank, eine bessere Vision als ich. Ich konnte seine Vision nicht vollständig erkennen, aber ich vertraute ihm.“ – CW

„Für einen weißen Videoregisseur war die Regie bei Rap-Videos zu dieser Zeit definitiv der absolute Tiefpunkt. Jeder wollte große Budgets für Poison und Metallica und all das Zeug“, sagte Rupert Wainwright in der ESPN 30 für 30-Dokumentation „Straight Outta LA“. „Ungefähr zu der Zeit, als NWA auf den Markt kam, gab es diese grundlegende Veränderung.“ Wainwrights Clip zu „Express Yourself“ spiegelt den Moment wider, als NWA die Fantasie der weißen Brüder Amerikas beflügelte: Tone-Loc (bekannt aus „Wild Thing“) synchronisiert den Refrain lippensynchron, und Dre sitzt in einer Parade und winkt seinen Fans zu . Aber es ist nicht nur ein feierlicher Moment. Vielleicht inspiriert von „Black Steel in the Hour of Chaos“ von Public Enemy, zeigt das Video auch die historischen Zusammenhänge zwischen Sklaverei, der christlichen Kirche und schwarzen Männern, die zu Unrecht in Gefängnissen eingesperrt sind. Das ist alles zu viel für Dre, der sich am Ende des Clips auf einem elektrischen Stuhl wiederfindet, obwohl er „kein Gras raucht oder Sex hat.“ – MR

Es sieht aus wie ein klassisches Musikvideo aus Brooklyns feinster Szene aus den späten Neunzigern, in dem Biggie einen makellosen Nadelstreifenanzug rockt, Puffy vor der Kamera überfällt, Damen tagsüber am Pool tanzen und die Rapper am VIP-Tisch im Club Getränke anstoßen Nacht. Es gibt nur eine Sache: Von BIG über die Künstlerfamilie Bad Boy Entertainment bis hin zu den Paparazzi sind alle etwa 10 bis 12 Jahre alt. Spike Jonze hatte Sean „Puffy“ Combs empfohlen, dieses posthume Video für die verstorbene Hip-Hop-Ikone als Abwandlung von Bugsy Malone zu machen, dem Film aus dem Jahr 1976, in dem Kinder als Gangsterfilm-Archetypen der 1930er-Jahre dargestellt wurden. Es fügte Biggys Vermächtnis eine gewisse Unschuld hinzu; Combs sagte, es wecke Erinnerungen an ihre Tage als junge Männer, die vom Erfolg träumten. „Diese Kinder haben sich wie wir bewegt, sie haben sich wie wir verhalten – genau so sind wir in den Club gekommen!“ er notierte sich den Kommentar zu einer DVD-Sammlung von Jonzes Videos. „Man konnte Biggies Geist [dort] fast spüren … es war surreal und beängstigend. Ich fand es genial.“ —DF

In Anlehnung an das Konzept von Marina Abramovićs bahnbrechender Performance „The Artist Is Present“ im Museum of Modern Art führte Jay-Z, „der neue Jean-Michel“, sechs Stunden lang „Picasso Baby“ in der New Yorker Pace Gallery auf und ermöglichte es den Besuchern, selbst zu werden Teil der Show. Das fünfminütige Video, das aus der Veranstaltung entstand, zeigt Prominente und Kunstschaffende, die amüsiert, beeindruckt, begeistert oder selbstbewusst genug sind, um Jay völlig zum Stolpern zu bringen. Zuschauer betreten die Bühne. Künstler wie George Condo, Kehinde Wiley, der ursprüngliche Uptown/Downtown-Brückenbauer Fab 5 Freddy und Abramović selbst treten auf. Judd Apatow macht ein bisschen. Jim Jarmusch bleibt cool wie eh und je. „Das Ganze war am Ende ein Dokument völlig ungeheuchelter Freude“, sagte Regisseur Mark Romanek gegenüber Vulture. „Es gibt Lächeln und Gelächter, und die Leute waren tatsächlich seltsam berührt davon. Es hat eine äußerst humanistische Ausstrahlung für etwas, das man als aus einer elitären New Yorker Kunstwelt bezeichnen könnte.“ – CW

Mit Google Earth eine Vermessung des fiktiven Viertels Norfy, Kalifornien, durchführen: „Fun!“ macht starke Aussagen über Ungleichheit, den Überwachungsstaat, Polizeibrutalität, Armutstourismus und weißen Voyeurismus. Wenn man hineinzoomt, um Zeuge eines Denkmals, einer Schlägerei und einer Verhaftung zu werden, wird deutlich, dass Außenstehende einen Blick in die schwarzen Viertel werfen, über die Künstler wie Vince berichten. Einheimische schalten die Kamera aus, schützen ihr Gesicht oder werfen Steine. „Ich denke, es gibt bestimmte Aspekte der Kultur, die immer vorhanden sind, egal ob es sich um Menschen außerhalb der Kultur handelt, die aus einer Perspektive oder einem Sicherheitsstandpunkt kommen und sich nicht mit der Realität auseinandersetzen müssen, Teil dieser Kultur zu sein. Ich habe das Gefühl, dass das immer da ist“, sagte Calmatic. „Aber mit der Technologie ändert sich die Art und Weise, wie sie das machen. Im Jahr 2019 können Sie, sei es YouTube, soziale Medien oder Google Earth, tatsächlich bequem von Ihrem Schlafzimmer aus sehen, wie das Leben auf der anderen Seite ist.“ – CW

Der 808-Elektropuls von „Planet Rock“ hat Hip-Hop und Tanzmusik bekanntermaßen aus der Disco-Phase herausgeholt – und sein Video bot einen farbenfrohen Blick in die Zukunft. Obwohl die „Wildstyle“-Mode von Bam and the Force – Spazierstöcke, Perlen, Kopfbedeckungen, geometrisch scharfe Sonnenbrillen – die afrofuturistischen Visionen von George Clinton und Sun Ra implizierte, war das „Planet Rock“-Video auch an die Erde gebunden und zeigte Hip-Hop-DIY Die Wurzeln liegen in Turnhallenpartys und Parkversammlungen, bei denen die Rock Steady Crew ihre der Schwerkraft trotzenden Breakdance-Moves vorführte. Es scheint höchst unwahrscheinlich, dass MTV dies überhaupt gespielt hat, aber die Platte konnte sich dennoch Tausende von Exemplaren verkaufen. „‚Planet Rock‘ und die anderen Uptown-Straßenplatten richten sich nicht nur an Innenstadtkinder, sondern haben eine viel größere Anziehungskraft, als viele ihnen zutrauen“, sagte Tom Silverman, Gründer von Tommy Boy Records, 1982 gegenüber Billboard. „Glücklicherweise ist dies das Art von Musik, die kein Radio braucht, aber durch Clubs und Straßenmusik erfolgreich sein kann.“ – CW

Dieser Hit betrachtete Hip-Hop-Romantik aus dem weiblichen Blickwinkel und sein Video stellte die Männlichkeit der Popmusik auf den Kopf: Hier sind starke Männer der Käsekuchen. „Ich wurde Mitte und Ende der 1980er-Jahre erwachsen, als ich mit meinen Standbildern arbeitete, in einer Zeit der Geschlechtertrennung, dem Beginn des Zusammenbruchs traditioneller Geschlechterrollen“, sagte Regisseur Matthew Rolston dem Video Head-Podcast von MTV. Das Video verwendet nicht irgendeinen Adonis mit Kopftuch, um mit Salt zu kuscheln: Das ist kein anderer als Tupac Shakur. Aufgrund seiner anhaltenden rechtlichen Probleme forderte die Plattenfirma die Verschleierung seines Gesichts. „Die Chemie zwischen mir und Tupac stimmte ein wenig, aber ich wusste, dass ich mich damit nicht anlegen sollte. Mit diesem Kerl wäre ich nicht klargekommen!“ Salt erzählte dem Rolling Stone. „Als wir einen Grammy gewannen, schickte er uns einen Kuchen in Form einer Waffe in unser Hotelzimmer. Ich glaube, es war eine Glock. Und wir wussten nicht, ob er uns drohte oder uns gratulierte. … Das muss seine Art sein, uns zu gratulieren. Und es war. Aber das war so eine Tupac-Sache.“ – CW

Als sich 1996 die drachengroße Präsenz von Busta Rhymes und die farbenfrohen Visionen von Hype Williams zusammenschlossen, löste das einen absoluten tektonischen Wandel im Hip-Hop aus und brachte nicht nur einen verrückten Solo-Star mit Motormaul hervor, sondern begründete auch Williams‘ nächste 25 Jahre als führender visueller Autor des Genres. Williams drehte seit einem halben Jahrzehnt stilvolle Rap-Videos, aber „Woo-Hah!!“ war der erste, der sich seinen Stil zu eigen machte: Fischaugenobjektive, Lichterketten, unwahrscheinliche Postproduktionseffekte und verrückte Farbschemata. Der von Williams zusammen mit seinen Schützlingen und Nachahmern weitergeführte Stil sollte dazu beitragen, den überlebensgroßen Look der Jiggy-Ära des Hip-Hop zu definieren. „Ich habe mir vorgenommen, die Dinge irgendwie zu verändern und Rap-Musikvideos genauso groß zu machen wie Rock- und Alternative-Musikvideos“, sagte Williams 1998. „Wenn ich dazu beitragen konnte, dann ist mir das gelungen, was ich versucht habe.“ tun.“ – CW

Der von Evel Knievel inspirierte Clip zu „Touch the Sky“ wurde vom Rapper selbst finanziert, nachdem er mit der Version von Def Jam unzufrieden war. Er hat eine Siebzigerjahre-Ästhetik, die perfekt zum Curtis-Mayfield-Sample des Songs passt. Der millionenschwere Film wurde im Grand Canyon West gedreht und spielt neben Pamela Anderson, Nia Long und Tracee Ellis Ross die Hauptrollen. (Beinahe wäre Fall Out Boy als Reportergruppe dabei gewesen, aber die Band hat aufgrund von Terminkonflikten abgesagt.) Das Bild war für West nicht nur eine Möglichkeit, seine grandiosen Ideen zur Schau zu stellen, es diente auch als augenzwinkernde Art und Weise um sich über sein riesiges Ego und die jüngsten Kontroversen lustig zu machen (die angesichts dessen, was kommen würde, jetzt seltsam erscheinen). In einer urkomischen Szene fragt ein TV-Sportreporter „Kanyevil“ nach seinen Äußerungen gegenüber Präsident Nixon und spiegelt damit Wests treffende Worte aus dem wirklichen Leben über George W. Bush nach dem Hurrikan Katrina wider. –JJ

Mit über einer Milliarde YouTube-Aufrufen bescherte „Gucci Gang“ dem SoundCloud-Rap das vielleicht kultigste Bild: Lil Pump aus Miami, mit einem neonpinken Haarschopf und einer reflektierenden silbernen Jacke, schleicht neben einem lebenden Tiger durch die Flure einer High School. „Das war echt“, sagte Regisseur Ben Griffin gegenüber Pigeons & Planes. „[Die Tiertrainer] sagten: ‚Wenn er einen Tag vor dem Shooting kommt und mit dem Tier übt – und das Tier ihn mag – können Sie die Aufnahme machen. Aber wenn das Tier in seiner Nähe nervös wird, müssen Sie eine zusammengesetzte Aufnahme machen.“ Also ging er hin und machte das Training, und dem Tier ging es gut … Es war kein CG oder Greenscreen oder so etwas.“ Die Bilder waren sofort unauslöschlich genug, um eine „Saturday Night Live“-Parodie mit Pete Davidson zu tragen: Der Kameramann der Show kontaktierte Griffin sogar, um herauszufinden, welche Objektive er verwendete. – CW

Die Vision von Atlanta's Arrested Development – ​​teils ländlicher Süden, teils rechtschaffener Afrozentrismus, teils Bohème der alternativen Ära – machte sie zu einer der von der Kritik am meisten geliebten Rap-Gruppen der frühen Neunziger. Der mazedonische Regisseur Milcho Manchevski half dabei, ihren Look in ihrem Debütvideo vorzustellen, einem Community-Treffen, das sanft und deutlich gefilmt wurde. Inspiriert von Fotografien aus der Zeit der Depression und den strengen Aufnahmen von Diane Arbus, Henri Cartier Bresson und Robert Frank, bahnt sich das Video einen warmen Weg durch die auffälligere MTV-Kategorie. „Es hat lange gedauert, bis ich [das Label] davon überzeugt habe, dass wir das Video in Schwarzweiß drehen sollten“, sagte Manchevski. „Aber als das Video herauskam, war es äußerst erfolgreich, es wurde ein Buzz-Clip auf MTV, es ging um die Welt und die Band explodierte.“ – CW

Missy fliegt in den Weltraum, wo sie immer noch das seltsamste und coolste Wesen auf dem Planeten ist. Nachdem Miss E im Sommer 1997 mit „The Rain (Supa Dupa Fly)“ durchgeknallt war, hätte sie es für ihr nächstes Video ruhiger angehen lassen können. Aber noch verrückter wurde sie mit „Sock It 2 ​​Me“, einem Hype-Science-Fiction-Trip, bei dem sie ihren Superhelden-Astronautenanzug, die rote Perücke und den silbernen Lidschatten anzieht, um auf einem anderen Planeten gegen außerirdische Roboter zu kämpfen. Ihr treuer Kumpel? Lil Kim. Für unsere Helden sieht es schlecht aus, bis Da Brat mit ihrem Weltraummotorrad zu Hilfe eilt und skandiert, als wäre sie auf einem Spielplatz: „Ich bin die Göre, sie ist Missy/Wir sind ein paar böse Schlampen, die es versauen!“ Timbaland trägt Zahnseide in seinem Albert-Einstein-Anzug. Es ist eine utopische Hommage an den Southern-Hip-Hop-Feminismus der späten Neunzigerjahre, einen Moment, in dem die ganze Welt mit jeder Bewegung von Missy verbunden war. Wie Da Brat erklärt: „Es ist '97! Das ist die verdammte Bitch-Ära!“ Es lebe die Bitch-Ära.–RS

Im Grunde dreht sich alles um diesen Beat: Vielleicht der Höhepunkt der Early-oughts-Ära der Neptunes, eine wahnsinnige Mischung aus Zungenschnalzen, pneumatischen Trommelschlägen und weißem Rauschen, die Snoop so sorgfältig wie möglich erzeugt. Der erfahrene Musikregisseur Paul Hunter filmt das Video, als würde er die Sieger der Geschichte dokumentieren, indem er beeindruckende monochromatische Bilder aus niedrigen Winkeln einfängt und nur dann schneidet, wenn sie den Takt ergänzen. „Ich wurde von Richard Avedon und der Art und Weise, wie er Prominente einfängt, beeinflusst“, erinnert sich Hunter. „Und wir wollten ein Frank-Sinatra-Feeling der Sechziger – wir wollten diesen Lebensstil, diese Klasse wirklich zeigen.“ Während Snoop zu Beginn des Videos einen C-Walk in pharmazeutischer Qualität ausführt, ist es dieser einfache Park-it-like-it's-hot-Move, der in der GIF-Unsterblichkeit verankert ist und so einfach und unnachahmlich ist wie der Track selbst.–CP

In Kanye Wests Video zu Drakes Debütsingle, das an der Bishop Ford Central Catholic High School im Stadtteil Windsor Terrace in Brooklyn gedreht wurde, gibt es mindestens drei großartige Witze. Die erste Möglichkeit besteht darin, so zu tun, als sei der überschwängliche Haken ein Trainer, der mit seiner Mannschaft spricht. (Drake spielt den Trainer, der seine Mannschaft vor einem großen Spiel verärgert.) Der zweite Witz ist: Was wäre, wenn diese Mannschaft ausschließlich aus Babes bestünde? (Kanye als Regisseur scheint diese Komponente besonders zu genießen.) Der letzte und beste Witz ist: Was wäre, wenn sie gegen eine wirklich gute Mannschaft spielen würden? (Sie werden völlig ausgelöscht, 14 zu 91.) Es ist alles lächerlich, so süß wie der Track selbst – eine Erinnerung an beide Künstler in weniger düsteren Tagen. Drake fasste die lockere Atmosphäre zusammen: „Ich war in New York, Ye war in New York. Wir haben einfach beschlossen, warum wir nicht nach Brooklyn fahren und ein Video drehen.“ – CP

Mitwirkende: Naima Cochrane, Mankaprr Conteh, David Fear, J'na Jefferson, Maura Johnston, Miles Marshall Lewis, Keith Murphy, Clayton Purdom, Mosi Reeves, Rob Sheffield, Christopher R. Weingarten